Tim Burton es un genio excéntrico, que tiene una mente prodigiosa capaz de dar a luz una maravilla como El joven manos de tijeras, Ed Wood, El gran pez, Pesadilla antes de Navidad o Sweeney Todd, y aunque a muchos nos decepcionó con una película tan impersonal como el remake de El planeta de los simios, a estas alturas ya se lo hemos perdonado.

Para mí, El joven manos de tijeras es la máxima expresión del mundo burtoniano, con una banda sonora maravillosa, del magnífico Danny Elfman, y el descubrimiento del gran Johnny Depp, interpretando un personaje inolvidable y único. Les dejo un video con un resumen en imágenes de la filmografía de Tim Burton.

Sólo una de las peliculas más taquilleras de los años 2000 en todo el mundo es de un material original específicamente creado para un filme. De entre las películas nominadas a los Oscar, sólo 9 de un total de 45 cumplen esta premisa. Warner Bros. es la gran triunfadora: la suma acumulada de sus filmes más taquilleros asciende a 6.400 millones de dólares. Harry Potter emerge como la franquicia más taquillera de la década. A su vez, observamos que Buscando a Nemo es el único filme de la lista que ni es una secuela, ni una adaptación literaria. En lo que se refiere a los filmes nominados al Oscar, las ocho películas originales que han llegado a la recta final de las nominaciones son Gladiador, Gosford Park, Perdidos en Tokio, Crash, Babel, Little Miss Sunshine, Juno y Michael Clayton. Sólo Gladiador y Crash se alzaron con el premio a la mejor película en sus respectivos años. Los criterios empleados aquí son muy restrictivos, ya que se eliminan películas biográficas y cualquiera, en general, para cuya realización haya sido necesario comprar algún tipo de derecho.

Si ampliamos un poco más la lista de películas más taquilleras y seleccionamos de entre el medio del centenar, descubrimos que las películas originales son nueve: a Buscando a Nemo se unen Kung Fu Panda, Los Increíbles, Hancock, Ratatouille, Madagascar, El día después de mañana, Monsters, Inc. y WALL-E. Keith, uno de los lectores de la Web Kottke, se expresa sobre esta tendencia:

“Parece que, con todo, la taquilla  aprecia más la originalidad que la Academia. Tómese ésto como se quiera. Lo cierto es que es una pobre forma de medir realmente la originalidad, ya que las cincuenta películas más taquilleras de esta década han puesto el listón muy alto (más de 500 millones de dólares), y demandan que el público esté lo suficientemente familiarizado con el material para atraer a la audiencia necesaria y conseguir semejantes cifras. Al mismo tiempo, estos datos cimentan la idea de que la mayor parte de todo lo que es ‘creativo’ simplemente remite a una idea previa”.

De los 15 filmes más taquilleros de los 90, siete son propiedades originales: Día de la independencia, El Rey León, Sexto Sentido, Armageddon, Mi pobre angelito, Ghost y Twister. En los años 80 –donde existe menos consenso sobre las cifras recaudadas–, cinco de las diez películas más taquilleras son originales: E.T., En busca del arca perdida, Cazafantasmas, Superdetective en Hollywood y Volver al futuro.

Para ver un ejemplo similar de semejante predominio de franquicias y adaptaciones hay que remontarse a los años 70: Star Wars y Encuentros cercanos del tercer tipo (otras listas incluyen El Golpe entre las 1o primeras) son las únicas que pueden ser consideradas material original. Tiburón, Superman y El Exorcista son adaptaciones literarias o de cómic; Fiebre del sábado en la noche es una adaptación de un artículo periodístico; Moonraker y La espía que me amó forman parte de la saga de James Bond; y Vacelina es la adaptación de la obra musical de Jim Jacobs y Warren Casey.

Lee más sobre el tema en:

The 2000 in film – Wikipedia | Aquí

Only Eight of this Decade ’s Bets Picture Nominees are Original – /Film | Aquí

Movies originality and Success – Kottke | Aquí

Greatests Box-Office Bombs, Disasters and Flops – Filmsite | Aquí

El gran fracaso de la década:

Delgo, película animada del año 2008, tuvo un presupuesto de 40 millones de dólares y sólo recaudó mundialmente 640.000 dólares (511.000 en su primera semana, el peor estreno de todos los tiempos, en relación al presupuesto). Aquí hablamos ya únicamente de pérdidas monetarias para el estudio, sino de la pérdida del arte del cine (Sí, la he visto). En la imagen, el esperpento.

Si pensaban al ver la portada que esta es una comedia romántica, se equivocaron. Es una comedia en donde se van a reír de principio a fin. Es poco común ver a Sandra Bullock interpretando este tipo de personaje y es muy divertido verla.  Si quieren pasar un rato agradable con su familia y amigos, reírse un rato y no tener que analizar mucho el significado de la película, les recomiendo que vean Alocada obsesión.

Sandra Bullock interpreta a la excéntrica creadora de crucigramas Mary Horowitz, quien, después de una corta pero dulce cita a ciegas, se enamora del apuesto camarógrafo de noticias por cable Steve (Bradley Cooper). Convencida de que son almas gemelas, Mary sigue a Steve por todo el país, motivada por las acciones egoístas del reportero de noticias Hartman Hughes (Thomas Hayden Church). En el camino, Mary hace amistad con un encantador grupo de excéntricos que se adhieren a sus idiosincrasias, obligándola a repensar su viaje entero. Eso sí, el trailer hace una estupenda edición de la película, como nos tiene acostumbrados el Hollywood de hoy en día.

Aquí les dejo el trailer del filme de las predicciones de los mayas. Si crees en esto, entonces empieza a hacer todo lo que quisieras hacer antes de morir. Ya yo me lancé de paracaídas; ahora te toca a ti.

Lo que normalmente pensarías al ver los avances es que La Huérfana es una película de terror más, que van a ocurrir cosas misteriosas, pero que al final todo saldrá como tú lo pensaste, al igual que todas las películas del género de horror.  No puedo adelantar mucho, mas esta película hay que verla porque no es igual que todas las demás. Te sorprenderás de la originalidad de la trama y dudo mucho que alguien pueda imaginar o predecir la manera en que las cosas resultarán.

Préparate a aferrarte a la butaca y a que tu novio o tu novia te abrace durante toda la proyección, porque el miedo y la tensión estarán asomando su cabeza en cada instante de esta película. Por cierto, todo el mundo me dice que me parezco físicamente a esa diabólica niña de nombre Esther.

Bastardos sin gloria es la más reciente película del afamado director Quentin Tarantino. Tarantino tiene un modo muy peculiar de hacer películas y es eso lo que a todos les encanta.  Esta película está cargada de momentos explícitamente violentos (una de las cosas que caracteriza al susodicho director), mucha acción y un gran guión. Con esta película se reinventa la historia y por ello no es nada predecible.  ¡Bastardos sin gloria es una película que sin duda no se pueden perder!

Esta película es protagonizada por Brad Pitt, Melanie Laurent y Christopher Waltz (el feliz ganador de la Palma de Oro de Cannes), y contiene la curiosa participación del comediante Mike Myers. Es un título que se une a esa colección que se conforma con filmes como Pulp Fiction, y los dos volúmenes de Kill Bill.

Vamos a hablar de una de las escenas más importantes de la película El Caballero de la Noche (al día de hoy, una de mis películas favoritas) y analizarla.  Habiendo dejado un tiempo prudencial a propósito para que la gente no se topase con un enorme spoiler de la trama, no puedo remediar hacer referencia a ella porque explican perfectamente qué es el dilema del prisionero y en qué consiste su solución. En la película, El Guasón, interpretado por un magnífico Heath Ledger (Q.E.P.D.), propone la siguiente idea macabra para sembrar el caos en la ciudad: dos ferrys están llenos de explosivos; en uno viajan personas normales de Ciudad Gótica, huyendo del desorden que ha creado el criminal de la sonrisa eterna, y en el otro criminales y presos trasladados de la prisión en la que estaban para evitar una posible fuga.

El juego que les propone El Guasón, para demostrar que en cada ser humano hay un aura malvada, es que dentro de los barcos deja el detonador, pero del otro barco, dando la opción a la gente que está dentro de cada ferry de salvarse si aprietan el detonador y hacen explotar el barco donde no están ellos. Para complicar más el juego, les da un límite de tiempo de 30 minutos, pasado el cual, él explotaría ambos ferrys si no explota uno antes. En la mente deprabada de El Guasón, en el momento que llegue el tiempo límite estima que ambos barcos explotarán a la vez, presa de las ansias por salvar su vida de las personas, por prevalecer el egoismo por encima de todo (es una idea que se plantea en toda la película). Con lo que el sociópata payaso no contaba, era con la teoría de los juegos y con las variables y los defectos existentes alrededor del dilema del prisionero.

En el planteamiento del dilema del prisionero, El Guasón estima un juego en el que el beneficio de pulsar el detonador es mayor que no hacerlo. Sobresale la idea de la supervivencia por encima de todo, eso es lo único importante y que una vez que se juega, lo mejor para cualquiera de los dos barcos es hacer explotar el otro. ¿Problema? Que en el juego participan seres racionales que piesan y se plantean qué pasa si el otro barco no hace la detonación.

Como al juego le ha puesto unas normas, el dilema real se plantea sobre si las personas tienes sentido común y moralidad. Si entran en juego esas reglas morales, se tiene que determinar si las mismas superan o son más importantes que la idea de la supervivencia en sí. Ahí es donde está la trampa de El Guasón y su error, en pensar que los humanos son racionales, pero actúan en su propio interés. En la era de la sociedad de la información es complicado jugar a este dilema, que se basa principalmente en que los jugadores no disponen de toda la información posible (por eso les deja incomunicados en el mar), pero hay una cosa llamada diversidad, con personas con diferentes formas de pensar, que valoran alternativas sobre lo que aún no ha ocurrido (hay un momento en la película que un capitán de uno de los barcos hace una reflexión sobre ello), y lo que podría ocurrir si se actúa de una forma u otra. Mientras en el barco de los presos es el director de la prisión quien tiene que decidir qué hacer mientras se enfrenta al dilema, en el barco de los ciudadanos libres estos deciden votar (diversidad) y ver qué sale.

Y una vez que entramos de verdad en la teoría de los juegos y en el dilema del prisionero con sus variables, entra en juego el Equilibrio de Nash, donde se demuestra que la mejor opción para los jugadores es cooperar, más cuando se cuenta con que los seres racionales tienen moralidad, y buscarán la opción del juego en la que ambos salen ganando. Es decir, no pulsando los detonadores de los ferrys. Si piensan igual y no colaboran, pulsando el detonador ambos pierden, o uno gana mucho y el otro pierde, y el juego consiste en que nunguno de los dos debe perder, por eso la idea de escoger la opción menos mala de entre todas las alternativas. El Guasón no cree en la moralidad de las personas, cosa que sí hace Batman, por eso el héroe sale victorioso.

Me ha gustado esa idea del uso del dilema del prisionero y la teoría de los juegos para desarrollar una trama y poner en juego mucha psicología para esta fascinante rama de la teoría económica recientemente premiada en el Nobel de Economía concedido a Leonid Hurwicz, Eric S. Maskin y Roger B. Myerson, por sus aportaciones en la teoría de diseño de mecanismos, con una película que mucha gente vio y verá, y donde se preguntarán ciertas cosas que ya se plantearon en la película Una mente maravillosa sobre la vida del propio John Forbes Nash (Nobel de Economía de 1994).

A continuación, la susodicha escena de esa joya del septimo arte y del superheroismo que es Batman: El Caballero de la Noche.

Dedicamos en Arte & Cine una entrada a uno de los títulos que puede ser clave en la carrera hacia el Oscar. Hablamos, por supuesto, de Nine, de Rob Marshall. Ésta es una de las películas que prometen ser el gran divertimento de la temporada, y es la que probablemente sea la gran acaparadora de nominaciones durante las próximas semanas. Es la gran apuesta de The Weinstein Co., que ha puesto toda su maquinaria a funcionar para promocionar este musical plagado de estrellas.

La tercera película del coreógrafo Rob Marshall es la adaptación cinematográfica del musical Nine, que a su vez versionaba el filme de Federico Fellini 8½. El protagonista es Guido Contini, un famoso realizador de cine italiano que atraviesa una crisis existencial, y quien está preparando una película y no logra sacar adelante su guión. Su mujer, además, le amenaza con dejarle si no le presta más atención a su matrimonio. Guido se ve agobiado por las mujeres que le rodean: su esposa, su amante, su musa cinematográfica, su ayudante, una periodista, el espíritu de su madre o el recuerdo de su primer amor. Su cabeza no da para más y su proyecto cinematográfico va hacia la deriva.

El divertimento

Conocimos a Rob Marshall en el 2002, cuando estrenó la adaptación cinematográfica del musical Chicago. Marshall tenía a sus espaldas una dilatada trayectoria como coreógrafo y director de musicales, avalada por seis candidaturas a los premios Tony, dos de ellas por el musical Cabaret. Por Chicago fue nominado al Oscar como mejor director y, sorprendentemente, fue premiado por el Gremio de Directores frente a realizadores como Martin Scorsese o Roman Polanski.

El musical Chicago se convirtió en la gran triunfadora de la edición de los Oscars celebrada en el 2003. La cinta optó a 13 Oscars y se llevó 6, entre ellos el de la mejor película. No era más que un divertimento, pero supo conectar con crítica y público y, cómo no, era la gran apuesta de los hermanos Weinstein, cuando aún estaban al frente de Miramax, muy por encima de Las Horas de Stephen Daldry y, sobre todo, de Gangs of New York de Martin Scorsese.

Con el resurgimiento del cine musical, los éxitos de Moulin Rouge, Chicago o, más recientemente, Hairspray o Mamma Mia! lo atestiguan, se dio luz verde en 2007 a la adaptación cinematográfica del musical Nine. Este musical vio por primera vez la luz en Broadway en el año 1982. Sus autores son Arthur Kopit, Mario Fratti y Maury Yeston, y se basaron en el éxito de Federico Fellini 8½, cinta que ganó dos Oscars en el año 1964: el de mejor película en lengua no inglesa y el de mejor vestuario. El musical original estuvo protagonizado por Raúl Juliá y, aunque la crítica nunca consideró que este fuese un gran musical, nada impidió que se hiciese con cinco premios Tony, entre los que destaca los de mejor musical y el de mejor actriz, que recibieron las tres protagonistas femeninas de la obra: Karen Akers, Anita Morris y Liliane Montevecchi. En el año 2003, este musical se volvió a estrenar con gran éxito en Broadway, teniendo a Antonio Banderas como protagonista. El actor malagueño optó a un premio Tony y Nine se llevó dos de los ocho galardones a los que optaba; aquellos fueron el de mejor revival y mejor actriz para Jane Krakowski.

Detrás de la adaptación cinematográfica de Nine estaban los hermanos Weinstein, que volvieron a confiar tras el éxito de Chicago en Rob Marshall. La intención de los Weinstein era contar con el mejor reparto posible, el cual fue conformado más tarde por Daniel Day Lewis –anteriormente Javier Bardem–, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench, Nicole Kidman, Kate Hudson, Sofía Loren y Stacy Ferguson. En el reparto hay ocho Oscars, un Tony y tres Grammys. Del guión se encargarían Michael Tolkin, autor de El Juego de Hollywood, y Anthony Minghella, fallecido en marzo del pasado año. Para la versión cinematográfica, Maury Yeston ha compuesto tres canciones: Guarda la Luna, interpretada por Sofía Loren; Cinema Italiano, interpretado por Kate Hudson; y Take it All, cantado por Marion Cotillard. En un principio este tema iba a ser cantado también por Penélope Cruz y Nicole Kidman, pero finalmente se optó por Cotillard en solitario.

Rob Marshall se ha vuelto a rodear de algunos de sus colaboradores, como el director de fotografía Dion Beebe, ganador de un Oscar por Memorias de una Geisha, el diseñador de producción John Myhre, ganador del Oscar por Chicago, o la diseñadora de vestuario Colleen Atwood, ganadora del Oscar por Memorias de una Geisha y Chicago.

Nine es la gran apuesta de The Weinstein Co. de cara a esta temporada de premios. Junto a Disney y la cadena de televisión ABC, están realizando una extenuante campaña de promoción que incluye una serie de especiales televisivos, y los protagonistas del film están en todas partes, especialmente Penélope Cruz. La madrileña, que se ha convertido en la nueva niña mimada de los hermanos Weinstein, está acaparando todo el protagonismo en la campaña promocional de Nine, ha protagonizado una de las últimas portadas del Vanity Fair y ha aparecido en algunos de los programas más populares de la TV norteamericana, como el de Oprah Winfrey. Después de ganar el Oscar por Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen, la actriz, en su mejor momento profesional, va hacia una nueva nominación.

Aún no tenemos referencias de lo que opina la crítica. El film se estrenará de manera limitada en los Estados Unidos el próximo 18 de diciembre, y aún no se han publicado las primeras impresiones oficiales, aunque en algunos sitios Web sí que se han publicado críticas de los espectadores que la han podido ver en los pases de prueba.

El pasado domingo pudimos conocer las nominaciones a los Golden Satellite, que pretenden ser una alternativa a los Globos de Oro, y Nine opta a once premios, mejor película de comedia o musical, mejor dirección, mejor actor en comedia o musical (Daniel Day Lewis), mejor actriz en comedia o musical (Marion Cotillard), mejor actriz de reparto (Penélope Cruz), mejor fotografía, mejor montaje, mejor sonido, mejor diseño de producción y dirección artística, mejor diseño de vestuario y mejor canción. Además, ya tiene el premio seguro del mejor reparto.

Opciones en los Oscar

Todo apunta a que Nine será de los títulos que acapare mayor número de nominaciones. Otra cosa bien distinta es que sea el gran triunfador del año. Tiene opciones de figurar en los apartados de mejor película, dirección, guión adaptado, actor (Daniel Day Lewis), actriz (Marion Cotillard), actriz de reparto (Penélope Cruz), fotografía, dirección artística, vestuario, sonido, montaje, montaje de sonido y canción.

Arte & Cine les irá contando lo que sucederá con Nine en los próximos días. Por el momento, disfruten de su delicioso tráiler.

Vemos así, mediante su filmografía, que Pixar es capaz de entretener a todo el mundo en cualquier parte del planeta. Han tocado el corazón de todos con los temas que tratan en cada una de sus películas, que tienen un exceso de vida para ser animadas.

Su primera obra fue Toy Story.  Este filme tiene la aprobación absoluta de la crítica y el público. Con eso debería callarme. Pero la verdad es que  Toy Story supuso el mayor salto en la historia del cine animado. Aunque la tecnología usada es de primera, lo que la hace tan especial es que además tiene una trama muy ingeniosa y personajes carismáticos. La historia va de Woody (Tom Hanks), quien es el muñeco preferido de Andy, hasta que el juguete de alta tecnología Buzz Lightyear (Tim Allen) lo reemplaza. Cuando ambos se pierden, deben unir fuerzas para regresar a casa. Una joya con la que Pixar demostró que es capaz de llegar al infinito.

Continuaron con Bichos: Una aventura en miniatura, en la que una horda de langostas cuyo líder es Hopper (Kevin Spacey), tiene a un hormiguero sometido. Cada temporada, las hormigas deben reunir enormes cantidades de grano para el consumo de los saltamontes. Una hormiga libre pensadora llamada Flik reúne a un equipo de insectos guerreros para combatir a los saltamontes… hasta que descubre que sus guerreros son, en realidad, bichos de circo. El humor referente al tema de los insectos está muy bien llevado y si tienes familiaridad con ese sector del reino animal te reirás con todas las referencias (como el mosquito borracho que pide una sangría O+). Además, logra minimizar a la audiencia al tamaño de los personajes y hace que un pequeño pajarito resulte aterrador.

Tras esto, llegó la secuela Toy Story 2, también avalada por el público y con lo cual debería callarme más aún.  En mi opinión, Toy Story 2 no sólo iguala a la original, sino que la sobrepasa en muchas ocasiones. Esta vez, Woody se queda en casa cuando Andy sale de campamento y es secuestrado por un coleccionista mientras rescataba a otro juguete. Buzz, Slinky, Rex, El Señor Cara de Papa y Hamm se embarcan en una misión para traerlo de vuelta a casa antes de que Andy regrese.  Y eso no es todo, pues la secuela nos trae nuevos personajes, que no sólo brindan diversión, sino también profundidad al guión. Si con la primera parte Pixar demostró poder llegar al infinito, aquí prueba que también es capaz de llegar más allá.

Su cuarta entrega, Monsters, Inc., es tan inteligente y divertida como sus predecesoras.  Sulley (John Goodman) y su compañero Mike (Billy Crystal) son trabajadores en Monsters, Inc., una corporación del mundo paralelo de los monstruos que utiliza los gritos de los niños humanos como energía eléctrica. Un buen día, una niñita se cuela a Monstrópolis, donde causa una hecatombe, ya que allí, los humanos son considerados tóxicos. Los diseños de las criaturas y los guiños a la monstruosidad son remarcables, así como los efectos. Esta vez, Pixar logró domesticar el pelo a la perfección. Algo que no puede decir King Kong, que ganó el nada merecido Oscar por Mejores Efectos Especiales cuatro años después.  También tenemos a los personajes secundarios, tan coloridos como siempre: Randall, Waternoose, Celia, el Yeti, Roz… que conviven en un mundo que involucra depósitos de puertas a nuestro mundo, el cuerpo especial CDA (Child Detection Agency) y niñitas cuchis.

Posteriormente, el estudio llegó aún más alto con su Buscando a Nemo. Aquí se narra la historia de Marlin, un pez payaso que presencia la masacre de su familia (esposa y 400 hijos incluidos). Sólo hay un pequeño embrión superviviente, su hijo Nemo, al que tiene sobreprotegido. Un día, Nemo es secuestrado por un buzo y enviado a la pecera de un dentista. Marlin va a rescatar a su hijo con la ayuda de Dory, una pececita incapaz de recordar nada durante más de dos minutos. Al mismo tiempo, Nemo y sus compañeros de pecera planean su escape. Esta historia fue la que sirvió nos dio un océano como nunca se había visto representado en la pantalla; es de una hermosura sin igual. Los pequeños detalles visuales han sido perfeccionados por Pixar (y eso que, para este año, he visto películas de acción real con efectos especiales estupendos que, no obstante, decaen a la hora de crear agua). Los gags visuales referidos al mundo acuático son buenísimos, como los tiburones que se reúnen en plan Alcohólicos Anónimos. Buscando a Nemo es  otro despliegue de imaginación al nivel que Pixar nos tiene habituados.

A continuación, aterrizó la idea de Los Increíbles. La primera vez que vi esta película quedé impresionado. Pese a ser una parodia de los superhéroes, es una de las mejores películas de ese género. Cuenta la vida de Robert Parr, alias Mr. Increíble, quien es un superhéroe condenado al retiro en una compañía de seguros, pues todos los superhéroes han sido obligados a meterse en un programa de reasignación de identidad por las demandas de daños materiales que causan sus acciones heroicas. Si eres familiar a los cómics, series o películas de Marvel o DC, verás que hay prácticamente una referencia en cada escena. Entonces nos aparece un villano que es antiguo presidente de un club de fans con una inevitable tendencia al monólogo (como todo súpervillano que se precie). Y luego llega la divertidísima Edna Moda, diseñadora de ropa para superhéroes, cuya voz es brindada por el director del filme, Brad Bird. Bird es, por cierto, el encargado de la perfecta estática de esta película. Los vehículos, escenarios y demás son dignos de cualquier película de acción real. Y como cualquier película de acción con personajes de carne y hueso, abundan las mega-explosiones, mega-persecuciones, mega-peleas con un cierto grado de violencia que le ha costado a Pixar un PG (calificación cinematográfica estadounidense un punto por encima de “para todos los públicos”, o sea, que los niños pueden ir solos, pero los padres deben aprobarlo). Y los efectos digitales les han quedado tan extraordinarios que la convierten en una de las pocas películas animadas que pueden considerarse verdaderamente filmes de acción.

Cars, su siguiente obra, es la historia de un coche llamado Rayo McQueen (Owen Wilson), que vive para las carreras de Nasca y para sí mismo, hasta que llega a un pueblo de mala muerte y termina descubriendo la amistad, la honradez y el american way of life.  Lamentablemente, nos encontramos con el guión más flojo con el que Pixar ha contado hasta ahora. No quiero decir que sea malo. Es simplemente que los otros eran monumentales y este es bueno, pero no pasa de allí. Los puntos fuertes siguen siendo el desarrollo de los personajes y la humanización de los mismos, desde Doc Hudson (Paul Newman) hasta la inolvidable pareja de mecánicos italianos, en un guiño a Ferrari (con un cameo de Schumacher al final), pasando por la Hummer-Schwarzenneger llamada “El Gobernador”, los tractores-vacas y los Volkswagen-escarabajo. En ese sentido es perfecta. Los gags y referencias al mundo automovilístico son geniales, pero a mitad de la película se siente una baja de ritmo, sobre todo en lo referente a la relación de Rayo con una Porche llamada Sally y una grúa con la personalidad de Jar-Jar Binks (Sí, el ser de Star Wars. Episodio 1: La amenaza fantasma). Esta vez, Pixar hace una película que parece subordinada a la moraleja, lo que no está mal, porque es lo normal en una película animada, pero no es a lo que nos tiene acostumbrados el imaginativo estudio, que siempre da mucho más.

Por suerte, nos regaló ese tesoro cinematográfico que signifca su siguiente entrega: Ratatouille. Ésta es una comedia monumental cuyo tema central es la convivencia entre especies absolutamente irreconciliables (los humanos y las ratas) unidas en la cocina de un restaurante. Pero al mismo tiempo es un experimento visual plagado de olores, sabores y sonidos, con una temática definitivamente destinada para adultos inteligentes y no a niños (como siempre en Pixar). Nuestro héroe, Remy, es una rata que, a diferencia de sus congéneres y gracias a su olfato especialmente desarrollado, tiene un especial aprecio por la comida bien hecha. Para él, cocinar es lo más grande que hay en el mundo entero. Por puro azar, acaba en la cocina del restaurante de Gusteau, el chef del cual él aprendió todo a través de programas y recetarios y que ha muerto recientemente. Entonces se le presenta una oportunidad de oro, siempre y cuando encuentre a un humano que le ayude a desarrollar al máximo su talento. Y lo encuentra en Linguini, un limpiador del restaurante que no tiene ni la más vaga idea de que al huevo se le quita la cáscara antes de freírlo. El crítico culinario, Anton Ego (Peter O´Toole), es uno de los mejores personajes animados que se han creado. Es una crítica a la crítica. Y cuando la película acaba, con esas magníficas líneas de Ego, estoy seguro que a más de un crítico se le pasó el suicidio por la cabeza, empezando por los cinematográficos. Y es que Ratatouille nos presenta la cocina como una metáfora de todas las artes y la generaliza al término de una propuesta universal: ¿Es el arte un campo limitado y exclusivo?

El lema de Gusteau es “Cualquiera puede cocinar”. Ego, por su parte, aparece como un defensor del arte como barrera de separación entre las personas. La película demostrará por sí misma quién tiene la razón. El guión de Ratatouille es una obra maestra. Los planos de la ciudad de París, magníficos. El humor, agudo. Los efectos de textura, perfectos: fíjense en el agua, los pelos de las ratas (incluso cuando se mojan), los vapores y el fuego. Ratatouille es una obra maestra. Pero esta, es una maestra que debe enseñarnos a todos nosotros. Ojalá seamos capaces de entender que la cocina de Ratatouille puede aplicarse a cualquier tipo de expresión artística, y que cualquiera puede crear, puede realizar algo de la nada, puede expresar sus ideas sin cabida de la crítica destructiva.

Así, Pixar llegó a su siguiente filme, WALL-E, el cual, Cuando se anunció, me hizo creer que iba a carecer enteramente de diálogos, lo que en mi opinión hubiese sido muy original. Me decepcioné mucho cuando en un trailer vi que no era así, pero la película no tiene la culpa de que yo haya tenido una idea tonta.  Sobre todo porque, después de verla, me di cuenta que la trama principal de la película (que no era la que yo había imaginado en un principio), requería evidentemente de diálogos. Y es una trama realmente profunda y conmovedora, que acaba de decretar lo que Pixar ha insinuado desde Toy Story: “Hacemos películas animadas, pero no son para los niños”. Y francamente, si uno de los críos que había en mi sala entendió bien la película, y no es por pocaestimación, me como mi gorra. Y es que en lo competente al robot, se abordan temas como la soledad y el amor, pero en la parte relativa a la humanidad se nos presenta un posible futuro que nos tiene que poner a pensar: una humanidad obesa, aburrida y sin propósitos en un futuro increíblemente oscuro para una película animada. Creo que es incluso más oscuro que la premisa de El Planeta de los Simios.

WALL·E es un robot que lleva 700 años compactando basura en un planeta Tierra vacío, destruido por una compañía aparentemente todopoderosa. En siete siglos desarrolla una personalidad propia, que consiste en añorar los recuerdos de una humanidad largo tiempo desaparecida. A través de la curiosidad, WALL·E salva, como una urraca, los últimos tesoros del planeta de basura. Su único amigo es una cucaracha que le acompaña por una gran ciudad completamente desvencijada al ritmo de una banda sonora algo macabra. Y los créditos de este film son una de las cosas más ingeniosas que he visto. No puedo explicarles de qué se tratan, porque les arruinaría la trama de la película, pero les recomiendo que se queden un rato en sala luego de que la película acabe y se fijen en el significado.

Finalmente, y para cerrar el post, Pixar ha alcanzado la cúspide de la gloria con su última película estrenada: Up: Una aventura de altura. Trata de Carl Fredricksen, un vendedor de globos de 78 años, que está por ser trasladado a un asilo por una inmobiliaria, que desea demoler su casa. Durante su juventud, Carl se había casado con Ellie, quien soñaba con viajar, pero murió antes de lograrlo. Ahora, el anciano se une a Russell, un niño explorador de 9 años. Juntos, tienen varias aventuras al arribar a Venezuela. La animación de estaq hazaña épica alcanza cotas de locura, de bellísima perfección; el sonido vuelve a ser espectacular y los paisajes y la BSO completan una de las películas más bellas y emotivas de Pixar, una cinta que desde el principio invita a sacar sentimientos profundos de risa, llanto y sorpresa. Me reí como con pocas películas gracias a pocos personajes, pero muy completos y divertidos, y disfruté como loco con las maravillosas escenas de acción rodadas con maestría. Todo esto fue acompañado de una BSO que quizá es de las mejores de la factoría. La historia de Carl Fredricksen pasa a ser una de las más emotivas del panorama cinematográfico.

Hay que prestar atención también a los cortos que tiene Pixar, que son increíbles también. No hay que menospreciarlos. Me quedo con Lifted y For the birds, sin despreciar el últo, Presto. Estos cortometrajes son maravillas de 5 minutos.

Lo bueno de esta factoría es que las historias siempre son originales (nunca adaptan nada). Toman factores de la cultura popular y los convirten en un festín de originalidad. Además, los doblajes de sus películas suelen ser sublimes. También agrego que en todas las películas promulgan una serie de valores tales como la igualdad y la amistad nada artificiales ni forzadas, que quieras o no, es un bien a la sociedad. Pixar es una compañía redonda y un estudio que cuando crees que ya no puede superarse, lo hace de nuevo; no tiene límites. Ahora disfruten con este video que, como el título de la entrada, es una oda a Pixar.